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· Enrique Marty entrevistado por Paco Barragan para la revista Artpulse

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Publicado en la revista Artpulse. No.21. Vol.6. (2015). Fotografías de Quique Acosta.


DIÁLOGOS PARA UN NUEVO MILENIO


ENTREVISTA CON ENRIQUE MARTY


“Como observador, estoy en un estado constante de tensión contra las supersticiones de la sociedad.”


El artista español Enrique Marty (1969, Salamanca) presenta su retrospectiva de mitad de carrera "Enrique Marty: Terapia de grupo, Acto de Fe, Sala Oscura" en Domus Artium (DA2). La muestra abarca 20 años de trabajo y ofrece una variedad de formatos y medios–desde escultura, pintura, instalaciones y vídeo a fotografía y acuarela. Hemos hablado con Marty para profundizar en sus obsesiones, relaciones y creencias sobre el tema contemporáneo.


POR PACO BARRAGÁN


Paco Barragán - Enrique Marty: terapia de grupo, acto de fe, cuarto oscuro es la exposición retrospectiva más ambiciosa hasta la fecha de tu obra que repasa 20 años de trayectoria, además de obras de tu adolescencia. ¿Con qué se encontrará el espectador?

Enrique Marty - Tengo que confesar que al principio me encontraba algo incómodo con la idea de una “retrospectiva” ya que yo entiendo el conjunto de mi obra como una única obra, un núcleo que se encuentra formado por partes más pequeñas que componen las series en las que trabajo y que se entrelazan entre sí.

Incluso soy reticente a la hora de ponerle fecha a las obras ya que entiendo esa unicidad de la obra también en el tiempo. Hay una evolución en todos los sentidos, pero si miramos al extremo de la rama de un árbol, veremos que está unida al ultimo extremo de las raíces, aunque haya pasado mucho tiempo de evolución y crecimiento entre ellas.

Sin embargo, sí que me resulta interesante plantearlo como retrospectiva si seguimos un guión, una estructura conceptual y temática que es la que tú has planteado. Entonces, al dotar al proyecto de una línea de lectura interesante, se rompe el hecho de mostrar obras simplemente en sentido cronológico.


P.B. - La familia y el concepto de “hogar” están en el centro de tu práctica artística. ¿De dónde surge para ti esa fascinación por la familia? Me recuerda que elegimos a nuestros amigos, pero que la familia nos viene impuesta...

E.M. - Me interesa mucho la familia como símbolo, un símbolo universal que todo el mundo entiende. He trabajado mucho con ella de esta forma, aunque desde hace ya algún tiempo la tengo algo aparcada y me estoy centrando en otros objetivos.


P.B. - No obstante, en el plácido y reconfortante mundo de tu familia encontramos lo “unheimlich”, lo siniestro, lo obsceno, lo grotesco e incluso lo indecente. Los miembros de la familia nos miran de manera perturbadora. ¿Por qué?

E.M. - El término “unheimlich” funciona solamente como tal si se produce en un entorno cotidiano. Es lo inesperado, siniestro o grotesco que aparece dónde no debería aparecer. Es ahí donde se da lugar a la catarsis. La función del dios Pan era provocar el caos, el terror, y después llegaba la superación catárquica. Aparecía de entre unos matorrales con su terrible aspecto y cambiaba la vida del testigo.

Pienso ahora en la Familia Cenci de Artaud, en teoría basado en un hecho real. Ha habido familias que se han exterminado entre ellos.


NIETZSCHE Y EL ETERNO RETORNO

P.B. - Sí, la idea del incesto y la prohibición del amor carnal entre padres e hijos en Artaud. Tu obra es de naturaleza rizomática y holística. Como si se tratara de una gran Gesammtkunstwerk que sigue creciendo a lo largo de senderos que se bifurcan, pero que van a parar a la misma orilla. Y como tal muchos temas y caracteres siguen regresando a lo largo de los años en contextos diferentes. 

E.M. - El eterno retorno sí, y la obra de arte total, con lo cual vamos a Wagner y volvemos a Nietzsche. Seguramente si no hiciera arte sería un psicópata, pero un psicópata al estilo de Nietzsche, un tío inaguantable en el trato. O un personaje a lo Artaud, un hombre desbocado y extremo.

Hacer mi obra me pone limites, y como decía Nietzsche, una mente con bridas funciona mejor que una mente desbocada.

Siempre tengo la sensación de estar escribiendo con imágenes un tratado filosófico del caos, intentando poner orden, o intentando comprender no sé muy bien qué. ¡A veces me siento un verdadero y jodido nihilista!


P.B. - Relacionado con esta pregunta está la interdisciplinariedad de tu enfoque artístico: desde pintura hasta dibujo, pasando por escultura, fotografía, vídeo, instalación, animación… cualquier medio parece útil y apropiado. ¿Cómo te decides por un medio u otro a lo largo del proceso artístico? ¿Todos tienen la misma jerarquía para ti?

E.M. - Yo creo que ni una sola vez me he planteado de forma consciente qué medio iba a utilizar. El medio para mí es indiferente, no me planteo ni por un momento si soy pintor, escultor, video-artista o no se qué  más. Cada día contesto una cosa distinta: si ese día he estado pintando, soy pintor. También me ocurre con los materiales, no me importan en absoluto.


LA CONTRADICCIÓN COMO AUTENTICIDAD

P.B. - La exposición ha sido dividida en 3 grandes bloques temáticos. En Cuarto oscuro hallamos obras relacionadas con el mundo de las ‘obsesiones’. Aquí queda patente tu interés por Nietzsche —el nihilismo y la voluntad de poder—, Freud —el inconsciente y lo reprimido—y Artaud —el teatro de la crueldad. Miedo, rabia, ansiedad, poder, locura…

E.M. - Como te decía antes, me siento nihilista, pero también niego el nihilismo. Ahora podría decir que los materiales me parecen fundamentales. Me siento atraído por personajes extremos que desafiaron a la sociedad y la vencieron, como Artaud y Nietzsche, pero también Aleister Crowley. Y sobre todo han de ser contradictorios. Encuentro en la contradicción una gran autenticidad, prácticamente no soporto a la gente cuadriculada.

Me gusta representar a los filósofos de una forma bufa, grotesca, haciendo cosas absurdas. He filmado muchos vídeos con gente usando máscaras representando a Nietzsche, Schopenhauer, Foucault etc., y en la exposición esas máscaras se encontrarán expuestas en una pieza titulada Modelos de gente fácilmente ofendible en orden decreciente. Para mostrar esas máscaras he hecho unos cuerpos con unos pies extremadamente largos (que portan esas máscaras). Hay un concepto en los Países Bajos para referirse a una persona que se ofende fácilmente: “tiene los dedos de los pies muy largos” . En el caso de Nietzsche, sus manos son también pies.

Represento a los filósofos como actores de una obra del teatro de la crueldad (o del absurdo). Amo a Nietzsche y odio a Kant.



P.B. - La segunda sección explora el campo de las relaciones sociales: terapia de grupo. La tensa relación del sujeto contemporáneo en relación con la sociedad, bien se trate de su familia, sus amigos o el otro. Tratas aquí —como diría Foucault— con la ‘economía de las relaciones de poder’.

E.M. - Como observador me encuentro en una sensación de tensión permanente, una tensión de vigilancia permanente contra las supersticiones de la sociedad. Me veo siempre como esos soldados que guardan la frontera de Corea del Norte, que están siempre en un estado de máxima tensión, tan firmes y vigilantes que todo su cuerpo parece una pura contractura. Miran todos de espaldas a la frontera, pues no están vigilando por si alguien entra en el país, sino por si alguien quiere salir.


LA CRUELDAD Y EL COMPROMISO DEL ARTISTA

P.B. - Finalmente, la tercera sección ha sido articulada en torno al concepto ‘acto de fe’, que aborda ideas de espiritualidad, superstición, pero también lo monstruoso o lo grotesco.

E.M. - De hecho el esperpento se encuentra en la vida cotidiana. No en mi obra. Me siento tan identificado con el teatro del absurdo y la crueldad por esta misma razón. Crueldad, no como forma de violencia, sino como el compromiso radical del artista de representar el mundo de forma inmisericorde. La crueldad no está en mi obra, esta fuera. No me interesa el arte que no tiene este compromiso, que es neo-decorativo o con un barniz intelectual falso que se oxida y se cae a las primeras de cambio. Yo me siento profundamente comprometido con mi obra.


P.B. - La idea del espejo y el doble está muy presente en tu obra. También el uso de la máscara —tanto en tus auto-retratos como en las obras que referencian a caracteres como Freud, Foucault et al— me recuerda a Artaud y su idea del rostro humano como espacio donde observar la lucha contra las fuerzas de la muerte.

E.M. - Y de nuevo volvemos a Nietzsche también. Respecto a Artaud, tengo en mente ahora una famosa anécdota, de cuando

Jacques Rivière dirigía la Nouvelle Revue Française. Como sabes, mantuvo una correspondencia epistolar con Artaud que fue publicando periódicamente en la prestigiosísima revista. La primera carta que publicó es la que le explica a Artaud por qué no iba a publicar sus poemas, que le parecían demasiado desquiciados y abstractos, desvaídos. Pero por ellos quiso conocer a la persona que estaba detrás y establecer una correspondencia que sí fue publicada. Rivière pensaba que la mente de Artaud estaba demasiado desbocada, y que cuando la dejaba libre como poeta sufría de una pura divagación, pero cuando se centraba en escribir algo concreto como una carta, su mente se centraba y funcionaba. ¡Esto se lo decía a Artaud, que denominó a su mente como una máquina de guerra!!

El doble y la sombra son quizá esa mente suelta y sin control. La sombra de la que nos habla Jung y que todos sentimos a nuestras espaldas. Es esa sombra la que merodea por la pieza Stalker. La ciudad por la que la sombra merodea y espía.


P.B. - Me gustaría terminar esta breve entrevista con la siguiente pregunta: ¿De qué manera ha cambiado el Enrique Marty de hoy  en relación con aquél de los inicios de su carrera artística a principios de los 90?

E.M. - Me siento más seguro, solo eso.


P.B. - Muchas gracias por tu tiempo.

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